寻找古今的结合点

青春版《牡丹亭》的制作最大的挑战是如何将昆曲的古典美学与21世纪的审美意识磨合接轨，将有500年表演历史的古老剧种搬上现代舞台，使其重新焕发青春的生命与光芒。

我们的大原则是:尊重古典但并不步步因循古典，“利用现代”但不“滥用现代”，可以说是古典为体，现代为用。昆曲传统的念、唱、做我们都遵守，是正宗、正统、正派的演法，但现代剧场的灯光舞美我们也适当地运用到制作中，以不妨碍昆曲表演为前提，现代元素以不露痕迹的方式溶入古典的大架构中，使整出戏既有古典美又有现代感。

昆曲

制作青春版《牡丹亭》，我的第一个定位是，这出戏是演给21世纪的观众看的；第二是要通过这出戏把年轻的观众引回来，引导到剧院中来。事实上，实现传统与现代的融合涉及的是一个重大的文化传承的课题，也可以说整个世纪以来，我们都在摸索的也是如何把我们源远流长的历史与传统文化呈现在现代舞台之上，以现代的身份重新赋予它新的意义与新的诠释，满足现代人的需要，引起现代人的共鸣，这才是真正要解决的问题。

经过数百年的千锤百炼，无数文人、音乐家、戏曲表演者的投入，昆曲被磨合成一种最精确、最精纯、最精致的表演艺术，它的美学范畴很早就已经成型。昆曲的唱念做打，舞蹈音乐等基本元素不可以随意改动，它不同于其他的年轻剧种，可以糅合与接纳外来剧种中的因素而不伤筋骨。昆曲的精致与精微的美学特征使得它不容过多外来元素的掺杂。

“利用现代”，但不“滥用现代”

我非常尊重传统，尽量不去破坏传统中的美学规范，但不是步步因循，我们要尊重传统美学的精髓。而后——我们“利用现代”，但不“滥用现代”。

明清时期，昆曲的演出场所、演出条件、观众等与今天的情况不相同，苏州拙政园中有一个鸳鸯厅就是当时著名昆曲演出场所。当时没有声、光、电的应用，“家班”是主要演出群体，观众也主要是亲朋好友以及鉴赏家等。今天，我们的灯光是用电脑控制的，舞台都是西方式、歌剧式的开放舞台。如何把这样古老的剧种放到现代的舞台上，保持它传统的美学风貌？这很重要也极具难度。

当然今天昆曲也保存着一些相对传统的，如以“一桌两椅”为主要舞台呈现的演出方式，两三百位对于昆曲唱念做打非常熟悉的观众围绕一个小舞台，欣赏比较纯态的昆曲表演，演员多是昆曲名家或大师；但是在像北大百年讲堂这样能够容纳2000多人的剧院，这种设计就不合适了。

把汤显祖的扛鼎之作《牡丹亭》定名为“青春版”是由于《牡丹亭》本身就是一则歌颂青春、歌颂爱情、歌颂生命的美丽神话。因此我选择了苏州昆剧院中两位扮相俊美、唱作俱佳的青年演员俞玖林、沈丰英担纲演出这部三天连台9个小时的大戏，我们希望能以年轻貌美的演员来吸引年轻观众。这一对21世纪的柳梦梅和杜丽娘，他们优雅的诠释给予《牡丹亭》这则600年的爱情神话以青春的生命与活力，他们已俨然成为华人世界古典而现代的“罗密欧与朱丽叶”。跟他们同台合作演出的，大部分是同辈的年轻演员。我们意识到昆曲有传承的危机:昆曲演员老化、观众老化。所以邀请当今最负盛名的两位昆曲老师傅汪世瑜与张继青来传授他们的拿手好戏，手把手指导男女主角，对其他青年演员，也予以密集严格的训练。我们希望通过排演这部大戏，培养一代昆剧艺人。

“花神”的设计

《牡丹亭》这出戏是一部爱情神话，描写杜丽娘小姐梦到一位俊俏书生，她由梦生情，因情生爱，再由爱而死，死而复生的故事。怎样才能使故事中的神话场景成功地在舞台上搬演？我们决定由“花神”来担当这个重要角色。

青春版《牡丹亭》中的花神要如同主题一样贯穿演出始终，一直提醒观众这是一个神话。花神在剧中由我们最初讨论的将传统戏中出现的三次变为五次，到最后变为每一场演出结尾都以不同的作用出现。